在澳洲，樹木綻放，吐出帶著霧氣的發光氣泡。在威尼斯，鹹海貝殼的自然紋樣化為一幅大尺度的織品圖案。這些奇特作品背後的創作者是村上梓與亞歷山大·格羅夫斯——這兩位藝術家暨設計師結合藝術、科學與科技，探索大自然令人驚嘆的運作機制。6月，他們的裝置作品 New Spring 持續吸引 Newcastle Art Gallery 的參觀者目光，而14月，台灣將開幕 After the Rain ——這是首度在亞洲匯聚他們兩大創作主軸的展覽。
看見通常被忽略的事物
A.A. Murakami 藝術思維的核心，是一種觀察周遭世界的獨特方式。這些藝術家不只是從自然形態中汲取靈感——他們研究讓這些形態得以生成的過程。他們探究生長的規律、材料的變化、物理力量與時間的交互作用，再將科學觀察轉譯為藝術語言。
這一點在作品 The Sun Sets in a Shell中表現得格外有趣，該作品於烏茲別克館展出 The Aural Sea ，亮相於2026年威尼斯雙年展。出發點是 Dreissena——一種棲息於鹹海的條紋貽貝。村上與格羅夫斯研究了其貝殼形成的科學模型，並開發出一套特殊的編織演算法，重現其生成的生物化學規律。
於是誕生了一幅織品圖案：其中的螺旋、波浪、三角形與重複的碎形結構，傳達出自然生長的複雜幾何。但最有趣的是，這些紋樣在本源上並非靜態。溫度、鹽度、水的酸鹼度與鈣含量的變化，都會影響貝殼的形成，並在其結構中留下一種記錄環境條件的獨特印記。
由此形成科學研究與藝術感知的奇妙結合：貝殼成為自然的檔案庫，而演算法則有助於揭示人類肉眼通常察覺不到的過程之美。藝術家將這種無形的複雜性轉化為物質形態，把數位科技與傳統的觸覺工藝連結起來。
當科技讓自然顯現
他們思維的另一面，則由 New Spring 展現——這件裝置目前可在澳洲的 Newcastle Art Gallery 看到。展覽於26月開幕，將持續至2027年31月。
三座宛如樹木的金屬結構，吐出充滿霧氣的發光氣泡。它們在枝椏間生成，平順地在空間中移動，改變形狀而後消散。接著，新的氣泡又會出現。
這不是花朵綻放的圖像，也不是對樹木的機械模仿。藝術家創造出一套屬於自己的系統，在其中，技術過程幾乎成為一種活生生的現象。觀者所注視的並非一件完成的作品，而是它持續不斷的生成。
在這裡，日本概念「物哀」格外有趣地展現出來—— 物哀 那是一種細膩的能力，能察覺瞬間之美、感受它的獨特，並將變化視為生命中自然的一部分。一個氣泡消失了，但在它的位置上又出現了下一個。而注意力也逐漸從想要留住所見之物的渴望，轉向能夠活在當下、察覺正在發生的事，並向接下來將出現的一切敞開。
這裡面有一個非常正向的想法：美不會隨著某個單一瞬間而結束。它會在新的形態中延續。A.A. Murakami 的技術讓人得以真正看見這個原則——自然從未停止創造，而每一個瞬間都成為下一個瞬間的一部分。
藝術家正是將這樣一種取徑稱為 Ephemeral Tech ——「短暫的技術」。他們開發自己的機制，以霧氣、空氣、光以及其他變動不居的物質狀態創造現象。技術在此並不展示自身，而是為人開啟一種與物理世界互動的新方式。
一段結合，一種共同的世界觀
A.A. Murakami 的背後是村上梓與亞歷山大·格羅夫斯，兩人於2010年在倫敦皇家藝術學院相識。2011年，他們創立了實驗性設計工作室 Studio Swine，並於2020年創立 A.A. Murakami，作為一項獨立的藝術實踐，在其中技術有助於形塑新的身體與感官體驗。
他們的合作之所以有趣，在於他們探索周遭世界的廣度。藝術家研究在地的生產、工藝、自然資源以及處理材料的方式。他們感興趣的不只是未來物件的形式，還有其背後的全部歷史：從原料的來源、在地環境的特性，到人類的勞動、文化傳統以及新生產的可能性。
在 Studio Swine 的計畫中，使用過的材料獲得了意想不到的延續。在 Sea Chair 中，從海洋收集來的塑膠廢棄物被轉化為家具。在 Can City 中，鋁罐在一台以廢棄植物油為燃料的移動式鑄造設備中被重新熔鑄。而在 Hair Highway 中，人類毛髮被研究作為龜甲與熱帶木材等材料的可再生替代品。
這些計畫中的每一個，都始於一個遠遠超出設計範疇的問題：我們對自己所使用的材料了解多少？它是如何出現的？它與地方、人與自然有何關聯？而如果換一種方式看待它，又會開啟哪些可能性？
這種取徑在以下作品中展現得格外宏大： Fordlandia ——這個計畫所回應的，是亞馬遜叢林中一座同名城市的歷史。它由美國實業家亨利·福特於1928年創立，他盤算著要為汽車工業建立一座屬於自己的天然橡膠生產基地。
Fordlandia 的歷史成了工業計畫與自然環境複雜互動的例證。試圖把美國式的城市模式與有組織的生產搬進亞馬遜，卻撞上了氣候、熱帶生態系統的特性，以及種植橡膠樹的重重難題。這座聚落最終被棄置。
村上與格羅夫斯面對這段歷史，並不只把它當作工業過往的一段插曲。他們探究天然橡膠的可能性、當地取得橡膠的方式、乳膠採集者的勞動，以及亞馬遜森林的材料。裝置中營造出一種獨特的空間，讓自然資源、工業歷史與關於進步的文化想像在同一件藝術作品中交會。
正是在這裡，他們興趣的廣度格外清晰地顯現出來：透過單一材料，他們能看見一整片地理、人類抉擇的歷史、經濟體系，以及自然與生產之間的關係。
在台中的新相遇
14十一月，台灣的 CMP Inspiration 博物館將開幕 After the Rain。這場展覽首度在亞洲將這對搭檔的兩項實踐——Studio Swine 與 A.A. Murakami——匯聚一堂，讓人得以在同一空間中看見他們共同的創作方法。
展覽將呈現一件規模宏大的版本 New Spring ，高約六公尺，同時也展出 Studio Swine 的計畫，其中包括 Sea Chair, Can City, Hair Highway 以及紡織作品 A Thousand Layers of Stomach。另有一處獨立空間將留給 Fordlandia.
「雨後」這個名稱在此有了特別的意義。雨改變了周遭世界的狀態：空氣變得潔淨，土地獲得水分，而習以為常的表面也顯露出新的色調與質地。這是更新的時刻，讓人得以察覺那些先前一直落在注意力之外的事物。
而或許，這正是描述村上與格羅夫斯整段創作歷程的方式。在一些計畫中，他們探究物質的起源及其嶄新應用的可能性。在另一些計畫中，他們創造出無法以固定形態留存下來的現象。但不論哪一種，他們所關注的都是同一件事：世界是如何構成的，新形式如何在其中誕生，以及那些我們通常匆匆走過、未曾留意的過程裡，究竟藏著多少令人驚奇的事物。
藝術作為看見更多的可能
A.A. Murakami 與 Studio Swine 的作品提醒我們，今日的藝術不僅能誕生於藝術意象，也能誕生於科學發現、工程實驗、對材料的鑽研，或對自然的細心觀察。
村上與格羅夫斯並不試圖將人與周遭世界分離開來。恰恰相反，他們展現出自然過程、技術、文化與日常生活之間有多麼緊密相連。他們的作品提供的不是現成的答案，而是觀看、探究與察覺彼此關聯的新方式。
而或許他們創作中最有意思的，是能夠改變觀者本身的視角。在貝殼中看見整片海洋的歷史，在廢棄材料中看見新生的可能，而在消逝的泡泡中看見的不是失去，而是下一刻的開始。
世界從未停止創造新的事物。有時，我們只需學會去察覺它。
