En Australie, des arbres s'épanouissent en libérant des bulles lumineuses remplies de brume. À Venise, les motifs naturels des coquillages de la mer d'Aral se transforment en un vaste dessin textile. Derrière ces œuvres singulières se trouvent Azusa Murakami et Alexander Groves — artistes et designers qui allient art, science et technologie pour explorer les mécanismes fascinants de la nature. Le 6 novembre, leur installation New Spring continue d'attirer l'attention des visiteurs de la Newcastle Art Gallery, et dès le 14 novembre, à Taïwan, s'ouvrira After the Rain — une exposition qui réunit pour la première fois en Asie les deux grandes lignes de leur création.
Voir ce qui demeure habituellement inaperçu
La pensée artistique d'A.A. Murakami repose sur une manière singulière d'observer le monde qui nous entoure. Les artistes ne se contentent pas de s'inspirer des formes naturelles — ils étudient les processus grâce auxquels ces formes apparaissent. Ils explorent les lois de la croissance, les transformations des matériaux, l'interaction des forces physiques et du temps, puis traduisent ces observations scientifiques en langage artistique.
Cela se manifeste tout particulièrement dans l'œuvre The Sun Sets in a Shell, présentée dans le pavillon de l'Ouzbékistan The Aural Sea à la Biennale de Venise 2026. Le point de départ fut la dreissena — une moule zébrée qui vit dans la mer d'Aral. Murakami et Groves ont étudié les modèles scientifiques de formation de sa coquille et ont mis au point un algorithme de tricot spécial reproduisant les lois biochimiques de sa constitution.
Ainsi est né un dessin textile où les spirales, les vagues, les formes triangulaires et les structures fractales répétées traduisent la géométrie complexe de la croissance naturelle. Mais le plus remarquable, c'est que ces motifs ne sont pas statiques par leur origine. Les variations de température, de salinité, d'acidité de l'eau et de teneur en calcium influencent la formation de la coquille, laissant dans sa structure une sorte d'enregistrement des conditions de l'environnement.
Il en résulte une étonnante union de la recherche scientifique et de la perception artistique : la coquille devient une archive naturelle, et l'algorithme aide à révéler la beauté de processus que l'œil humain ne remarque habituellement pas. Les artistes traduisent cette complexité invisible en une forme matérielle, alliant les technologies numériques et l'artisanat tactile traditionnel.
Quand la technologie permet à la nature de se révéler
Un autre aspect de leur pensée se dévoile dans New Spring — une installation que l'on peut actuellement voir à la Newcastle Art Gallery, en Australie. L'exposition a ouvert le 26 septembre et se poursuivra jusqu'au 31 janvier 2027.
Trois structures métalliques évoquant des arbres libèrent des bulles lumineuses remplies de brume. Elles surgissent parmi les branches, se déplacent doucement dans l'espace, changent de forme et se dissolvent. Puis de nouvelles apparaissent.
Ce n'est pas une image de floraison, ni une imitation mécanique d'un arbre. Les artistes créent leur propre système, dans lequel le processus technologique devient un phénomène presque vivant. Le spectateur n'observe pas une œuvre achevée, mais son apparition continue.
C'est ici que se révèle de façon particulièrement intéressante le concept japonais de mono no aware — l'art subtil de remarquer la beauté de l'instant, d'en ressentir l'unicité et de percevoir le changement comme une part naturelle de la vie. Une bulle disparaît, mais une autre naît à sa place. Et l'attention se détourne peu à peu du désir de retenir ce que l'on a vu pour se porter sur la capacité d'être ici et maintenant, de remarquer ce qui se produit et de s'ouvrir à ce qui viendra ensuite.
Il y a là une idée très positive : la beauté ne s'achève pas avec un instant isolé. Elle se poursuit dans de nouvelles formes. Les technologies d'A.A. Murakami permettent de voir littéralement ce principe — la nature ne cesse de créer, et chaque moment devient partie du suivant.
C'est précisément cette approche que les artistes nomment Ephemeral Tech — « technologies éphémères ». Ils conçoivent leurs propres mécanismes pour créer des phénomènes à partir de la brume, de l'air, de la lumière et d'autres états changeants de la matière. La technologie ne se donne pas ici en spectacle : elle ouvre à l'humain une nouvelle manière d'interagir avec le monde physique.
Une union — un regard commun sur le monde
Derrière A.A. Murakami se trouvent Azusa Murakami et Alexander Groves, qui se sont rencontrés en 2010 au Royal College of Art de Londres. En 2011, ils ont fondé Studio Swine — un studio de design expérimental —, et en 2020, ils ont créé A.A. Murakami comme une pratique artistique autonome, dans laquelle les technologies aident à façonner de nouvelles expériences physiques et sensorielles.
Leur collaboration est intéressante par l'ampleur avec laquelle ils explorent le monde qui les entoure. Les artistes étudient les productions locales, les artisanats, les ressources naturelles et les manières de travailler les matériaux. Ils s'intéressent non seulement à la forme de l'objet à venir, mais aussi à toute l'histoire qui la sous-tend : de l'origine des matières premières et des particularités du milieu local jusqu'au travail humain, aux traditions culturelles et aux possibilités d'une nouvelle production.
Dans les projets de Studio Swine, les matériaux utilisés connaissent un prolongement inattendu. Dans Sea Chair les déchets plastiques collectés dans l'océan se transforment en mobilier. Dans Can City les canettes en aluminium sont refondues dans une fonderie mobile fonctionnant à l'huile végétale usagée. Et dans Hair Highway les cheveux humains sont étudiés comme une alternative renouvelable à des matériaux tels que l'écaille de tortue et le bois tropical.
Chacun de ces projets commence par une question qui dépasse largement le cadre du design : que savons-nous du matériau que nous utilisons ? Comment est-il apparu ? Comment est-il lié à un lieu, à des personnes et à la nature ? Et quelles possibilités s'ouvriraient si on le regardait autrement ?
Cette approche se déploie avec une ampleur toute particulière dans Fordlandia — un projet consacré à l'histoire de la ville du même nom, située dans la jungle amazonienne. Elle fut fondée en 1928 par l'industriel américain Henry Ford, qui espérait créer sa propre base de production de caoutchouc naturel pour l'industrie automobile.
L'histoire de Fordlandia est devenue un exemple de l'interaction complexe entre les plans industriels et le milieu naturel. La tentative de transplanter en Amazonie le modèle américain de ville et de production organisée s'est heurtée au climat, aux particularités de l'écosystème tropical et aux difficultés de la culture des hévéas. La colonie fut finalement abandonnée.
Murakami et Groves abordent cette histoire non seulement comme un épisode du passé industriel. Ils explorent les possibilités du caoutchouc naturel, les méthodes locales pour l'obtenir, le travail des saigneurs d'hévéas et les matériaux de la forêt amazonienne. L'installation crée un espace singulier où les ressources naturelles, l'histoire industrielle et les représentations culturelles du progrès se rencontrent dans une même œuvre d'art.
C'est ici que se manifeste particulièrement clairement l'ampleur de leurs intérêts : derrière un seul matériau, ils savent discerner toute une géographie, l'histoire des décisions humaines, des systèmes économiques et les relations entre la nature et la production.
Une nouvelle rencontre à Taichung
Le 14 novembre, au musée CMP Inspiration à Taïwan, ouvrira After the Rain. L'exposition réunira pour la première fois en Asie les deux pratiques du duo — Studio Swine et A.A. Murakami — et permettra de découvrir leur méthode créative commune dans un même espace.
L'exposition présentera une version à grande échelle de New Spring haute d'environ six mètres, ainsi que des projets de Studio Swine, parmi lesquels Sea Chair, Can City, Hair Highway et une œuvre textile, A Thousand Layers of Stomach. Une place à part sera occupée par Fordlandia.
Le titre « Après la pluie » prend ici un sens particulier. La pluie change l'état du monde environnant : l'air devient plus pur, la terre reçoit l'humidité, et les surfaces familières révèlent de nouvelles nuances et textures. C'est un moment de renouveau, où l'on peut remarquer ce qui restait auparavant hors de l'attention.
Et c'est peut-être précisément ainsi que l'on peut décrire tout le parcours créatif de Murakami et Groves. Dans certains projets, ils explorent l'origine de la matière et les possibilités de son nouvel usage. Dans d'autres, ils créent des phénomènes qu'il est impossible de retenir sous une forme permanente. Mais dans les deux cas, une même chose les intéresse : comment le monde est constitué, comment de nouvelles formes y naissent et combien de merveilleux se cache dans les processus que nous côtoyons d'ordinaire sans y prêter attention.
L'art comme possibilité de voir davantage
Les œuvres d'A.A. Murakami et de Studio Swine rappellent que l'art aujourd'hui peut naître non seulement d'une image artistique, mais aussi d'une découverte scientifique, d'une expérience d'ingénierie, de l'étude d'un matériau ou d'une observation attentive de la nature.
Murakami et Groves ne cherchent pas à séparer l'homme du monde qui l'entoure. Au contraire, ils montrent à quel point les processus naturels, les technologies, la culture et la vie quotidienne sont étroitement liés. Leurs œuvres n'offrent pas de réponses toutes faites, mais de nouvelles manières de regarder, d'explorer et de remarquer les interconnexions.
Et peut-être le plus intéressant dans leur travail est-il la capacité de changer le point de vue même du spectateur. Voir dans un coquillage l'histoire de toute une mer, dans un matériau usagé la possibilité d'une nouvelle naissance, et dans une bulle qui s'évanouit non pas une perte, mais le commencement de l'instant suivant.
Le monde ne cesse de créer du nouveau. Parfois, il suffit simplement d'apprendre à le remarquer.
