藝術作品並非出現在我們眼前，而是與我們一同出現——這其中有一種獨特的美。早晨它是一個模樣，傍晚又是另一個模樣；在陽光下它幾乎像建築，在暮色中則化為光的訊號，而在行人身旁又獲得新的尺度。上海的第九屆靜安國際雕塑展，正是提供這樣的體驗。
展覽於24年2026月開幕，名為「空間的顯現」——Shapes of Becoming。英文中的 becoming 一詞在此格外重要：談的不是已然完成的形式，而是生成的過程，是一件隨著地點、時間、天氣、人的流動以及城市本身的性格而持續變化的作品。
在這個季節，上海邀請人們將雕塑視為一種感知的事件。它不再必須是基座上靜止不動的物件。光、聲音、數位媒體、倒影、陰影與人的在場，都成了它的材料。
展覽在28個地點舉行。總共展出36件作品，來自14個國家的33位藝術家；近60%的國際作品凸顯了這場文化對話的規模。參展者包括英國雕塑家東尼·克雷格、冰島—丹麥藝術家奧拉佛·艾里亞森、法國的尚—米歇爾·奧托尼耶，以及澳洲藝術家林迪·李。約70%的作品是為這個計畫特別創作，因此展覽不僅回應國際現代藝術的歷史，也回應上海具體的肌理。
空間的魔法：展覽為何從博物館之外開始
靜安國際雕塑計畫的主要特點，在於沒有單一的入口。觀眾不必跨過博物館的門檻才能進入藝術。他們在途中與它相遇：在公園裡、在路旁、沿著水岸、在樹木之間、在城市的喧囂與日常的路線之中。
主展區位於靜安雕塑公園。額外的作品則出現在南京西路沿線以及蘇州河的一段。因此，展覽變成了一張獨特的城市地圖，作品成為停留、思索與偶然發現的節點。
可以想像上海市民平凡的一天。他去上班，趕著辦事，或者出門散步——然後忽然注意到一個形體，正與建築立面、樹木或水面展開對話。在這樣的情境中，藝術不需要特別的準備。它只是成為路線的一部分，然後不知不覺地改變了路線的節奏。
公共雕塑不僅作用於目光，也作用於行為。它使人放慢腳步，繞過物件，從另一個角度觀看它，注意到玻璃中的倒影，或者聽見先前在城市的喧囂中失落了的聲音。
這個想法也得到當代研究的印證。2024年發表的一項田野實驗顯示，與城市環境中的藝術介入互動，可以降低主觀的焦慮、壓力與負面情緒感受。這種效果與參與者在多大程度上將該場所感知為具有美感表現力、meaningful——充滿意義——以及有助於注意力恢復有關。
換句話說，城市中的作品能夠發揮感知重啟點的作用。不是因為它給出一個現成的答案，而是因為它把保持專注的能力還給人。
「生成」的祕密：從石頭到光與數位環境
展覽的主題延續了靜安自2020年以來發展的路線。先前的計畫觸及了「空間的重新思考」、「空間的演化」 與 「空間的和諧」等理念。到了2026年，重心轉向形式誕生的那一刻本身——轉向空間如何透過物質、光與運動而變得可感。
在傳統的理解中，雕塑與堅硬的材質有關：石頭、青銅、金屬或木材。但當代實踐擴展了這個定義。如今，一道光束、一道聲波、一個數位投影，或者觀眾與物件之間的空間，都可以成為雕塑。
靜安的一些作品會隨著一天中的時間而改變面貌。白日的陽光顯露出質感與體量，夜晚的燈光創造出新的輪廓，而夜間的城市則成為構圖的一部分。於是，公園變成了一個全天候感知的空間。觀眾可以早晨前來，日落後再回來，實際上看到的已是另一場展覽。
在這個概念中，奧拉佛·艾里亞森的存在顯得格外自然——他的創作實踐往往圍繞著光、自然現象、光學與身體經驗展開。他的作品提醒我們：我們感知空間，並非把它當作中性的裝飾，而是當作一種不斷形塑我們狀態的環境。
東尼·克雷格則數十年來持續探索材質與形式之間的關係。他的雕塑觸及地質學、生物學、工業物件以及物質的內在結構。對克雷格而言，材質並非被動的原料：它擁有自身的記憶、抗力與轉化的可能。在他的作品中，容器、身體或建築元素等熟悉的輪廓，可以過渡為抽象的、幾乎流動的結構。
克雷格有一個重要的想法：雕塑不必模仿現實——它能夠創造新的現實。正是在這個意義上，他參與此次展覽顯得至關重要。它將雕塑的物理物質性與 becoming——持續轉化——的理念連結起來。
今日的公共藝術教會我們什麼
靜安的重要性不僅在於它是一場國際當代雕塑盛會。它同時也是一個範例，展示城市如何運用藝術來創造共同生活的新方式。
展覽包含青年展區、教育計畫、面向市民的攝影比賽、市集與工作坊。這樣的規劃擴大了參與者的範圍：觀眾不僅可以觀看，還可以攝影、討論、創造自己的詮釋，並帶著孩子或朋友一再回到作品面前。
當代展覽越來越不再只是藝術的存放之地，而是一種交流的基礎設施。在這個意義上，公共藝術有助於形塑對城市的歸屬感。它創造出座標、相遇之地與共同的視覺記憶。
關於城市藝術與創意場域營造的研究顯示，藝術計畫能夠強化在地認同、促進社會互動，並活化那些過去僅被視為過渡性的空間。居民自身的參與變得格外重要：一個地方之所以有價值，不僅因為藝術家的權威，也因為人們投入了它的生活。
對靜安而言，這意味著從單一展覽轉向長期的文化策略。公園、街道與河岸連綴成一個完整的藝術環境。藝術並未與城市生活相隔絕，而是幫助人們重新閱讀它——看見自然、基礎設施、街區記憶與科技未來之間的連結。
如何細細觀看這場展覽
若要感受「空間的顯現」的邏輯，展覽不應被當作一份物件清單來走過，而應被當作一條路線。
先在白天從靜安雕塑公園開始。留意作品的尺度、它們之間的距離，以及它們如何與樹木、小徑和周圍的建築展開對話。接著走向南京西路：在這裡格外能看出藝術物件如何與商業城市、車流與人們的匆忙並存。
日落之後，值得回到那些運用光、倒影與數位科技的作品前。比較你的感受：哪個細節消失了，哪個出現了，哪件作品變得更親密，哪件又變得更具建築感？
不妨寫一份小小的視覺日記，記錄三件事：
• 你最先注意到什麼；
• 觀察幾分鐘之後，作品如何改變；
• 其中什麼是與上海具體相關的，而不是在任何地方都可能存在的。
如果上海之行尚未列入計畫，這個主題也可以在線上延續。要認識光與空間的藝術，Tate 與 Louisiana Channel 的檔案、關於東尼·克雷格 Skulpturenpark Waldfrieden 的資料，以及當代美術館的數位計畫都很適合。至於書籍與圖錄，則值得留意關於奧拉佛·艾里亞森、公共藝術與當代雕塑的出版物，這些出版物不將作品孤立看待，而是把它與建築、地景以及觀者的身體經驗連結起來。
為什麼這場展覽會留在我們心中
「空間的顯現」表明，城市雕塑可以同時是國際的與在地的、科技化的與感官的、智性的與對偶然路過者開放的。
在這個計畫中，上海並非背景，而是共同創作者。它的街道、水域、高層建築、密集的車流與變幻的光線，都參與了每一次觀看經驗的構成。同一件作品不會完全重複：時辰、天氣、路線、心情以及他人的在場，都會改變它。
展覽的主要意義正在於此。藝術不只是佔據空間——它幫助空間顯現。透過雕塑，公園對光更加敏銳，街道對人的尺度更加敏銳，而城市對自身的記憶與未來也更加敏銳。
直到2026年31月，Jing’an 邀請人們將上海視為一幅活的構圖，其中的形體持續在眼前生成。而或許，在這樣一趟漫步之後，習以為常的城市將再也不復以往：其中會開始顯露出隱藏的節奏、意想不到的線條，以及那些等待的不是解釋，而是一道專注目光的地方。
