Es liegt eine besondere Schönheit darin, wie ein Kunstwerk nicht vor uns, sondern gemeinsam mit uns entsteht. Am Morgen erscheint es in der einen Gestalt, am Abend in einer anderen; im Sonnenlicht wirkt es beinahe architektonisch, in der Dämmerung wird es zum Lichtsignal, und neben einem Passanten gewinnt es einen neuen Maßstab. Genau dieses Erlebnis bietet die Neunte Internationale Skulpturenausstellung Jing’an in Shanghai.
Eröffnet am 24 September 2026, trägt sie den Titel „Räumliche Manifestation“ — Shapes of Becoming. Das englische Wort becoming ist hier besonders wichtig: Es geht nicht um eine vollendete Form, sondern um einen Prozess des Werdens, um ein Werk, das sich je nach Ort, Zeit, Wetter, der Bewegung der Menschen und dem Charakter der Stadt selbst weiter verändert.
In dieser Saison lädt Shanghai dazu ein, die Skulptur als ein Ereignis der Wahrnehmung zu betrachten. Sie muss kein unbewegliches Objekt auf einem Sockel mehr sein. Zu ihren Materialien werden Licht, Klang, digitale Medien, Spiegelungen, Schatten und die menschliche Anwesenheit.
Die Ausstellung findet an 28 Orten statt. Insgesamt werden 36 Werke von 33 Künstlern aus 14 Ländern gezeigt; fast 60 Prozent der internationalen Arbeiten unterstreichen den Umfang des kulturellen Dialogs. Zu den Teilnehmenden gehören der britische Bildhauer Tony Cragg, der isländisch-dänische Künstler Olafur Eliasson, der Franzose Jean-Michel Othoniel und die australische Künstlerin Lindy Lee. Etwa 70 Prozent der Werke wurden eigens für dieses Projekt geschaffen, weshalb sich die Ausstellung nicht nur an die internationale Geschichte der zeitgenössischen Kunst wendet, sondern auch an das konkrete Gewebe Shanghais.
Die Magie des Raums: Warum die Ausstellung außerhalb des Museums beginnt
Das Hauptmerkmal des Jing’an International Sculpture Project ist das Fehlen eines einzigen Eingangs. Der Betrachter überschreitet nicht die Schwelle eines Museums, um zur Kunst zu gelangen. Er begegnet ihr unterwegs: im Park, an der Straße, am Wasser, zwischen Bäumen, im Stadtlärm und auf seinem gewohnten Weg.
Die Hauptausstellung befindet sich im Jing’an Sculpture Park. Weitere Arbeiten entstanden entlang der Nanjing West Road und an einem Abschnitt des Suzhou-Flusses. Dadurch verwandelt sich die Ausstellung in eine Art Landkarte der Stadt, in der die Werke zu Punkten des Innehaltens, des Nachdenkens und der zufälligen Entdeckung werden.
Man kann sich einen gewöhnlichen Tag eines Shanghaier Stadtbewohners vorstellen. Er geht zur Arbeit, eilt geschäftlich durch die Stadt oder begibt sich auf einen Spaziergang — und bemerkt plötzlich eine Form, die in ein Gespräch mit einer Fassade, einem Baum oder dem Wasser tritt. In einer solchen Situation verlangt die Kunst keine besondere Vorbereitung. Sie ist einfach Teil des Weges und verändert dann unmerklich dessen Rhythmus.
Öffentliche Skulptur wirkt nicht nur auf den Blick, sondern auch auf das Verhalten. Sie zwingt dazu, langsamer zu werden, das Objekt zu umgehen, es von einer anderen Seite zu betrachten, eine Spiegelung im Glas zu bemerken oder das zu hören, was zuvor im Stadtlärm verloren ging.
Diese Idee wird auch durch moderne Forschungen bestätigt. Ein im Jahr 2024 veröffentlichtes Feldexperiment zeigte, dass die Interaktion mit künstlerischen Interventionen im städtischen Raum das subjektive Empfinden von Angst, Stress und negativer Stimmung verringern kann. Der Effekt hing damit zusammen, inwieweit die Teilnehmenden den Ort als ästhetisch ausdrucksvoll, meaningful — mit Sinn erfüllt — und die Aufmerksamkeit wiederherstellend wahrnahmen.
Mit anderen Worten: Ein Werk in der Stadt kann wie ein Punkt wirken, an dem die Wahrnehmung neu gestartet wird. Nicht weil es eine fertige Antwort gibt, sondern weil es dem Menschen die Fähigkeit zurückgibt, aufmerksam zu sein.
Das Geheimnis des „Werdens“: vom Stein zum Licht und zur digitalen Umgebung
Das Thema der Ausstellung setzt die Linie fort, die Jing’an seit 2020 entwickelt. Frühere Projekte widmeten sich den Ideen der „räumlichen Neudeutung“, der „Evolution des Raums“ und der „räumlichen Harmonie“. Im Jahr 2026 verlagerte sich der Akzent auf den Moment der Entstehung der Form selbst — darauf, wie der Raum durch Materie, Licht und Bewegung spürbar wird.
Im traditionellen Verständnis ist die Skulptur mit festem Material verbunden: Stein, Bronze, Metall oder Holz. Doch die zeitgenössische Praxis erweitert diese Definition. Nun kann ein Lichtstrom, eine Schallwelle, eine digitale Projektion oder der Raum zwischen Betrachter und Objekt skulptural werden.
Einige Werke von Jing’an verändern ihr Erscheinungsbild je nach Tageszeit. Das Tageslicht bringt Struktur und Volumen hervor, die abendliche Beleuchtung schafft neue Konturen, und die nächtliche Stadt wird Teil der Komposition. Infolgedessen verwandelt sich der Park in einen Raum der rund um die Uhr möglichen Wahrnehmung. Der Betrachter kann am Morgen kommen, nach Sonnenuntergang zurückkehren und tatsächlich bereits eine andere Ausstellung sehen.
Besonders organisch fügt sich in dieses Konzept die Präsenz von Olafur Eliasson ein — eines Künstlers, dessen Praxis sich oft um Licht, Naturphänomene, Optik und körperliche Erfahrung dreht. Seine Arbeiten erinnern daran: Wir nehmen den Raum nicht als neutrale Dekoration wahr, sondern als ein Umfeld, das fortwährend unseren Zustand formt.
Tony Cragg wiederum erforscht seit Jahrzehnten die Beziehung zwischen Material und Form. Seine Skulpturen greifen auf Geologie, Biologie, industrielle Objekte und die innere Struktur der Materie zurück. Für Cragg ist das Material kein passiver Rohstoff: Es besitzt ein eigenes Gedächtnis, einen eigenen Widerstand und eigene Möglichkeiten der Verwandlung. In seinen Arbeiten können vertraute Umrisse von Gefäßen, Körpern oder architektonischen Elementen in abstrakte, beinahe fließende Strukturen übergehen.
Cragg hat einen wichtigen Gedanken: Die Skulptur muss die Realität nicht nachahmen — sie vermag eine neue Realität zu schaffen. Genau in diesem Sinne erweist sich seine Teilnahme an der Ausstellung als grundlegend. Sie verbindet die physische Materialität der Skulptur mit der Idee des becoming — der ununterbrochenen Verwandlung.
Was die öffentliche Kunst uns heute lehrt
Jing’an ist nicht nur als internationale Schau der zeitgenössischen Skulptur wichtig. Es ist zugleich ein Beispiel dafür, wie die Stadt die Kunst nutzt, um neue Formen des Zusammenlebens zu schaffen.
Die Ausstellung umfasst Jugendsektionen, Bildungsprogramme, Fotowettbewerbe für die Stadtbewohner, eine Messe und Workshops. Ein solches Programm erweitert den Kreis der Teilnehmenden: Der Betrachter kann nicht nur schauen, sondern auch fotografieren, diskutieren, eigene Interpretationen schaffen und mit Kindern oder Freunden zu den Werken zurückkehren.
Die zeitgenössische Ausstellung wird immer häufiger nicht zu einem Ort der Aufbewahrung von Kunst, sondern zu einer Infrastruktur der Verständigung. In diesem Sinne hilft die öffentliche Kunst, ein Gefühl der Zugehörigkeit zur Stadt zu formen. Sie schafft Orientierungspunkte, Orte der Begegnung und gemeinsame visuelle Erinnerungen.
Forschungen zur urbanen Kunst und zum creative placemaking zeigen, dass künstlerische Projekte die lokale Identität stärken, soziale Interaktionen fördern und Räume aktivieren können, die zuvor nur als Durchgangsorte wahrgenommen wurden. Besonders bedeutsam wird die Beteiligung der Bewohner selbst: Ein Ort gewinnt an Wert nicht nur durch die Autorität des Künstlers, sondern auch deshalb, weil die Menschen in sein Leben einbezogen werden.
Für Jing’an bedeutet das den Übergang von einer einzelnen Ausstellung zu einer langfristigen kulturellen Strategie. Park, Straße und Uferpromenade verbinden sich zu einem einheitlichen künstlerischen Umfeld. Die Kunst isoliert sich nicht vom städtischen Leben, sondern hilft, es neu zu lesen — den Zusammenhang zwischen Natur, Infrastruktur, der Erinnerung des Viertels und der technologischen Zukunft zu erkennen.
Wie man die Ausstellung aufmerksam betrachtet
Um die Logik der „Räumlichen Manifestation“ zu spüren, sollte man die Ausstellung nicht wie eine Liste von Objekten durchlaufen, sondern wie eine Route.
Beginnen Sie bei Tageslicht im Jing’an Sculpture Park. Achten Sie auf den Maßstab der Werke, den Abstand zwischen ihnen und darauf, wie sie in einen Dialog mit Bäumen, Wegen und der umgebenden Architektur treten. Gehen Sie dann zur Nanjing West Road weiter: Hier wird besonders deutlich, wie ein künstlerisches Objekt neben der kommerziellen Stadt, dem Verkehrsstrom und der menschlichen Eile existiert.
Nach Sonnenuntergang lohnt es sich, zu den Arbeiten zurückzukehren, die Licht, Spiegelung und digitale Technologien nutzen. Vergleichen Sie Ihre Eindrücke: Welches Detail ist verschwunden, welches aufgetaucht, welches Werk ist intimer geworden und welches architektonischer?
Es ist hilfreich, ein kleines visuelles Tagebuch zu führen und drei Dinge festzuhalten:
• was Sie zuerst bemerkt haben;
• wie sich das Werk nach einigen Minuten des Beobachtens verändert hat;
• was an ihm gerade mit Shanghai verbunden ist und nicht überall hätte existieren können.
Wenn eine Reise nach Shanghai noch nicht in den Plänen steht, lässt sich das Thema online fortsetzen. Zur Annäherung an die Kunst des Lichts und des Raums eignen sich die Archive von Tate und des Louisiana Channel, Materialien über den Skulpturenpark Waldfrieden von Tony Cragg sowie digitale Projekte von Museen für zeitgenössische Kunst. Als Bücher und Kataloge lohnt es sich, Publikationen über Olafur Eliasson, über öffentliche Kunst und über zeitgenössische Skulptur in den Blick zu nehmen, in denen das Werk nicht für sich, sondern im Zusammenhang mit Architektur, Landschaft und der körperlichen Erfahrung des Betrachters betrachtet wird.
Warum diese Ausstellung bei uns bleiben wird
Die „Räumliche Manifestation“ zeigt, dass urbane Skulptur zugleich international und lokal, technologisch und sinnlich, intellektuell und für den zufälligen Passanten zugänglich sein kann.
Shanghai tritt in diesem Projekt nicht als Hintergrund auf, sondern als Mitautor. Seine Straßen, das Wasser, die Hochhausarchitektur, die Dichte des Verkehrs und das wechselnde Licht wirken an der Entstehung jeder Betrachtererfahrung mit. Ein und dasselbe Werk wiederholt sich nie vollkommen: Die Stunde, das Wetter, die Route, die Stimmung und die Anwesenheit anderer Menschen verändern es.
Darin liegt der eigentliche Sinn der Ausstellung. Die Kunst besetzt nicht einfach den Raum — sie hilft dem Raum, sich zu zeigen. Dank der Skulptur wird der Park aufmerksamer für das Licht, die Straße für den menschlichen Maßstab und die Stadt für ihre eigene Erinnerung und Zukunft.
Bis zum 31 Dezember 2026 lädt Jing’an dazu ein, Shanghai als eine lebendige Komposition zu betrachten, in der Formen unmittelbar vor den Augen weiter entstehen. Und vielleicht wird die vertraute Stadt nach einem solchen Spaziergang nie wieder wie zuvor erscheinen: In ihr beginnen verborgene Rhythmen, unerwartete Linien und Orte aufzugehen, die keine Erklärung erwarten, sondern einen aufmerksamen Blick.
