Hay una belleza especial en el modo en que una obra de arte no aparece ante nosotros, sino junto con nosotros. Por la mañana se muestra de una manera, por la tarde de otra; bajo la luz del sol parece casi arquitectónica, en el crepúsculo se convierte en una señal luminosa, y junto a un transeúnte adquiere una nueva escala. Precisamente esa experiencia propone la Novena Exposición Internacional de Escultura Jing’an en Shanghái.
Inaugurada el 24 de septiembre de 2026, recibió el nombre de «Manifestación espacial» — Shapes of Becoming. La palabra inglesa becoming es aquí especialmente importante: no se trata de una forma acabada, sino de un proceso de devenir, de una obra que sigue cambiando en función del lugar, el tiempo, el clima, el movimiento de las personas y el carácter de la propia ciudad.
En esta temporada, Shanghái propone contemplar la escultura como un acontecimiento de la percepción. Ya no está obligada a ser un objeto inmóvil sobre un pedestal. Sus materiales pasan a ser la luz, el sonido, los medios digitales, los reflejos, las sombras y la presencia humana.
La exposición se desarrolla en 28 puntos. En total se presentan 36 obras de 33 artistas de 14 países; casi el 60 por ciento de las obras internacionales subraya la magnitud del diálogo cultural. Entre los participantes figuran el escultor británico Tony Cragg, el artista islandés-danés Olafur Eliasson, el francés Jean-Michel Othoniel y la artista australiana Lindy Lee. Alrededor del 70 por ciento de las obras fueron creadas especialmente para este proyecto, por lo que la exposición remite no solo a la historia internacional del arte contemporáneo, sino también al tejido concreto de Shanghái.
La magia del espacio: por qué la exposición comienza fuera del museo
La principal particularidad del Jing’an International Sculpture Project es la ausencia de una única entrada. El espectador no cruza el umbral de un museo para entrar en el arte. Lo encuentra en su camino: en el parque, junto a la carretera, a lo largo del agua, entre los árboles, el ruido urbano y el trayecto habitual.
La exposición principal se encuentra en el Parque de Esculturas de Jing’an. Obras adicionales aparecieron a lo largo de la carretera de Nankín Oeste y en un tramo del río Suzhou. Gracias a ello, la exposición se transforma en una suerte de mapa de la ciudad, donde las obras se convierten en puntos de detención, reflexión y descubrimiento casual.
Es posible imaginar un día cualquiera de un habitante de Shanghái. Va al trabajo, se apresura por asuntos o sale a pasear — y de pronto advierte una forma que entabla conversación con una fachada, un árbol o el agua. En tal situación, el arte no exige una preparación especial. Simplemente forma parte del trayecto y luego, sin que se note, cambia su ritmo.
La escultura pública actúa no solo sobre la mirada, sino también sobre el comportamiento. Obliga a aminorar el paso, a rodear el objeto, a mirarlo desde otro lado, a advertir un reflejo en el cristal o a escuchar eso que antes se perdía en el ruido de la ciudad.
Esta idea se confirma también en investigaciones contemporáneas. Un experimento de campo publicado en 2024 mostró que la interacción con intervenciones artísticas en el entorno urbano puede reducir las sensaciones subjetivas de ansiedad, estrés y estado de ánimo negativo. El efecto estaba relacionado con el grado en que los participantes percibían el lugar como estéticamente expresivo, meaningful — pleno de sentido — y propicio para la restauración de la atención.
En otras palabras, una obra en la ciudad puede funcionar como un punto de reinicio de la percepción. No porque ofrezca una respuesta lista, sino porque devuelve a la persona la capacidad de estar atenta.
El secreto del «devenir»: de la piedra a la luz y el entorno digital
El tema de la exposición continúa la línea que Jing’an desarrolla desde 2020. Los proyectos anteriores abordaron las ideas de «reinterpretación espacial», «evolución del espacio» y «armonía espacial». En 2026 el acento se desplazó hacia el momento mismo en que surge la forma — hacia el modo en que el espacio se vuelve perceptible a través de la materia, la luz y el movimiento.
En la concepción tradicional, la escultura está vinculada a un material sólido: piedra, bronce, metal o madera. Pero la práctica contemporánea amplía esa definición. Ahora pueden volverse escultóricos un flujo de luz, una onda sonora, una proyección digital o el espacio entre el espectador y el objeto.
Algunas obras de Jing’an cambian de aspecto según la hora del día. El sol diurno revela la textura y el volumen, la iluminación vespertina crea nuevos contornos y la ciudad nocturna pasa a formar parte de la composición. En consecuencia, el parque se convierte en un espacio de percepción las veinticuatro horas. El espectador puede venir por la mañana, regresar después del atardecer y ver, de hecho, ya otra exposición.
En esta concepción resulta especialmente orgánica la presencia de Olafur Eliasson, un artista cuya práctica gira a menudo en torno a la luz, los fenómenos naturales, la óptica y la experiencia corporal. Sus obras nos recuerdan que percibimos el espacio no como una decoración neutra, sino como un entorno que moldea constantemente nuestro estado.
Tony Cragg, por su parte, lleva décadas explorando la relación entre materia y forma. Sus esculturas remiten a la geología, la biología, los objetos industriales y la estructura interna de la materia. Para Cragg, el material no es una materia prima pasiva: posee su propia memoria, resistencia y posibilidades de transformación. En sus obras, los contornos familiares de vasijas, cuerpos o elementos arquitectónicos pueden transformarse en estructuras abstractas, casi fluidas.
Cragg sostiene una idea importante: la escultura no está obligada a imitar la realidad, es capaz de crear una realidad nueva. Es en este sentido que su participación en la exposición resulta fundamental. Vincula la materialidad física de la escultura con la idea de becoming, de transformación continua.
Qué nos enseña hoy el arte público
Jing’an es importante no solo como certamen internacional de escultura contemporánea. Es también un ejemplo de cómo la ciudad utiliza el arte para crear nuevas formas de convivencia.
La exposición incluye secciones juveniles, programas educativos, concursos de fotografía para los ciudadanos, una feria y talleres. Un programa así amplía el círculo de participantes: el espectador no solo puede mirar, sino también fotografiar, debatir, crear sus propias interpretaciones y volver a las obras con sus hijos o amigos.
Cada vez más, la exposición contemporánea deja de ser un lugar donde se conserva el arte para convertirse en una infraestructura de comunicación. En este sentido, el arte público ayuda a formar un sentimiento de pertenencia a la ciudad. Crea puntos de referencia, lugares de encuentro y recuerdos visuales compartidos.
Los estudios sobre arte urbano y creative placemaking muestran que los proyectos artísticos pueden fortalecer la identidad local, estimular las interacciones sociales y activar espacios que antes se percibían solo como de tránsito. Resulta especialmente significativa la participación de los propios residentes: el lugar adquiere valor no solo por el prestigio del artista, sino también porque las personas se implican en su vida.
Para Jing’an, esto significa pasar de una exposición puntual a una estrategia cultural a largo plazo. El parque, la calle y el paseo fluvial se unen en un único entorno artístico. El arte no se aísla de la vida urbana, sino que ayuda a leerla de nuevo: a ver la conexión entre la naturaleza, la infraestructura, la memoria del distrito y el futuro tecnológico.
Cómo contemplar la exposición con atención
Para sentir la lógica de «Manifestación espacial», conviene recorrer la exposición no como una lista de objetos, sino como un itinerario.
Comience por el Parque de Esculturas de Jing’an durante el día. Preste atención a la escala de las obras, a la distancia entre ellas y a cómo entablan diálogo con los árboles, los senderos y la arquitectura circundante. Luego diríjase a la carretera de Nankín Oeste: aquí se advierte especialmente cómo el objeto artístico existe junto a la ciudad comercial, el flujo del tráfico y las prisas humanas.
Después del atardecer conviene volver a las obras que utilizan la luz, el reflejo y las tecnologías digitales. Compare sus impresiones: ¿qué detalle desapareció, cuál apareció, qué obra se volvió más íntima y cuál más arquitectónica?
Es útil llevar un pequeño diario visual y anotar tres cosas:
• qué fue lo primero que notó;
• cómo cambió la obra tras varios minutos de observación;
• qué hay en ella vinculado precisamente a Shanghái y no podría existir en cualquier otro lugar.
Si un viaje a Shanghái aún no entra en sus planes, el tema puede continuarse en línea. Para familiarizarse con el arte de la luz y el espacio resultan útiles los archivos de Tate y Louisiana Channel, los materiales sobre el Skulpturenpark Waldfrieden de Tony Cragg, así como los proyectos digitales de museos de arte contemporáneo. Como libros y catálogos, conviene prestar atención a las publicaciones sobre Olafur Eliasson, el arte público y la escultura contemporánea, donde la obra se examina no de forma aislada, sino en relación con la arquitectura, el paisaje y la experiencia corporal del espectador.
Por qué esta exposición permanecerá con nosotros
«Manifestación espacial» demuestra que la escultura urbana puede ser a la vez internacional y local, tecnológica y sensorial, intelectual y accesible para el transeúnte casual.
En este proyecto, Shanghái no actúa como telón de fondo, sino como coautor. Sus calles, el agua, la arquitectura en altura, la densidad del tráfico y la luz cambiante participan en la creación de cada experiencia del espectador. Una misma obra no se repite de manera absoluta: la transforman la hora, el clima, el recorrido, el estado de ánimo y la presencia de otras personas.
En esto radica el sentido principal de la exposición. El arte no solo ocupa el espacio: ayuda al espacio a manifestarse. Gracias a la escultura, el parque se vuelve más atento a la luz, la calle a la escala humana y la ciudad a su propia memoria y a su futuro.
Hasta el 31 de diciembre de 2026, Jing’an propone mirar Shanghái como una composición viva, donde las formas siguen surgiendo justo ante los ojos. Y, quizá, después de un paseo así, la ciudad habitual ya nunca volverá a parecer la misma: en ella empezarán a revelarse ritmos ocultos, líneas inesperadas y lugares que no esperan una explicación, sino una mirada atenta.
