Há uma beleza especial no modo como uma obra de arte não surge diante de nós, mas junto connosco. De manhã, apresenta-se de uma maneira; à tarde, de outra; à luz do sol parece quase arquitetónica, ao crepúsculo torna-se um sinal luminoso e, ao lado de um transeunte, ganha uma nova escala. É precisamente essa experiência que propõe a Nona Exposição Internacional de Escultura de Jing’an, em Xangai.
Inaugurada a 24 de setembro de 2026, recebeu o nome de «Manifestação Espacial» — Shapes of Becoming. A palavra inglesa becoming é aqui especialmente importante: não se trata de uma forma acabada, mas de um processo de devir, de uma obra que continua a mudar em função do lugar, do tempo, do clima, do movimento das pessoas e do caráter da própria cidade.
Nesta temporada, Xangai propõe olhar para a escultura como um acontecimento da perceção. Já não é obrigada a ser um objeto imóvel sobre um pedestal. Os seus materiais passam a ser a luz, o som, os media digitais, os reflexos, as sombras e a presença humana.
A exposição decorre em 28 pontos. No total, estão apresentadas 36 obras de 33 artistas de 14 países; quase 60 por cento das obras internacionais sublinham a dimensão do diálogo cultural. Entre os participantes estão o escultor britânico Tony Cragg, o artista islandês-dinamarquês Olafur Eliasson, o francês Jean-Michel Othoniel e a artista australiana Lindy Lee. Cerca de 70 por cento das obras foram criadas especialmente para este projeto, pelo que a exposição se dirige não só à história internacional da arte contemporânea, mas também ao tecido concreto de Xangai.
A magia do espaço: por que a exposição começa fora do museu
A principal particularidade do Jing’an International Sculpture Project é a ausência de uma entrada única. O espectador não transpõe o limiar de um museu para chegar à arte. Encontra-a pelo caminho: no parque, à beira da estrada, ao longo da água, entre as árvores, o ruído urbano e o percurso habitual.
A exposição principal está instalada no Parque de Esculturas de Jing’an. Obras adicionais surgiram ao longo da Estrada de Nanquim Ocidental e num troço do rio Suzhou. Graças a isso, a exposição transforma-se num mapa peculiar da cidade, onde as obras se tornam pontos de paragem, de reflexão e de descoberta casual.
Podemos imaginar um dia comum de um habitante de Xangai. Vai para o trabalho, apressa-se em assuntos ou sai para um passeio — e de repente repara numa forma que entra em diálogo com a fachada, uma árvore ou a água. Numa situação dessas, a arte não exige preparação especial. Simplesmente faz parte do percurso e, depois, altera impercetivelmente o seu ritmo.
A escultura pública atua não só sobre o olhar, mas também sobre o comportamento. Obriga a abrandar, a contornar o objeto, a olhá-lo de outro lado, a notar o reflexo no vidro ou a ouvir aquilo que antes se perdia no ruído da cidade.
Esta ideia é confirmada também por investigações contemporâneas. Um experimento de campo, publicado em 2024, mostrou que a interação com intervenções artísticas no ambiente urbano pode reduzir as sensações subjetivas de ansiedade, stress e humor negativo. O efeito estava relacionado com o grau em que os participantes percecionavam o lugar como esteticamente expressivo, meaningful — pleno de sentido — e propício à restauração da atenção.
Por outras palavras, uma obra na cidade é capaz de funcionar como um ponto de reinício da perceção. Não porque dá uma resposta pronta, mas porque devolve ao ser humano a capacidade de estar atento.
O segredo do «devir»: da pedra à luz e ao ambiente digital
O tema da exposição dá continuidade à linha que Jing’an desenvolve desde 2020. Os projetos anteriores abordaram as ideias de «reinterpretação espacial», «evolução do espaço» e «harmonia espacial». Em 2026, o acento deslocou-se para o próprio momento do surgimento da forma — para o modo como o espaço se torna sensível através da matéria, da luz e do movimento.
Na compreensão tradicional, a escultura está ligada a um material sólido: pedra, bronze, metal ou madeira. Mas a prática contemporânea amplia essa definição. Agora, um fluxo de luz, uma onda sonora, uma projeção digital ou o espaço entre o espectador e o objeto podem tornar-se escultóricos.
Algumas obras de Jing’an mudam de aspeto em função da hora do dia. O sol diurno revela a textura e o volume, a iluminação noturna cria novos contornos e a cidade à noite torna-se parte da composição. Como resultado, o parque transforma-se num espaço de perceção a todas as horas. O espectador pode vir de manhã, voltar depois do pôr do sol e ver, na prática, já outra exposição.
Particularmente orgânica nesta conceção soa a presença de Olafur Eliasson — um artista cuja prática se constrói frequentemente em torno da luz, dos fenómenos naturais, da ótica e da experiência corporal. As suas obras recordam-nos: percecionamos o espaço não como uma decoração neutra, mas como um meio que forma constantemente o nosso estado.
Tony Cragg, por sua vez, explora há décadas a relação entre material e forma. As suas esculturas remetem para a geologia, a biologia, os objetos industriais e a estrutura interna da matéria. Para Cragg, o material não é uma matéria-prima passiva: possui memória própria, resistência e possibilidades de transformação. Nas suas obras, os contornos familiares de vasos, corpos ou elementos arquitetónicos podem passar a estruturas abstratas, quase fluidas.
Cragg tem uma ideia importante: a escultura não é obrigada a imitar a realidade — é capaz de criar uma nova realidade. É precisamente neste sentido que a sua participação na exposição se revela fundamental. Ela liga a materialidade física da escultura à ideia de becoming — de transformação contínua.
O que a arte pública nos ensina hoje
Jing’an é importante não só como certame internacional de escultura contemporânea. É também um exemplo de como a cidade utiliza a arte para criar novos modos de vida em comum.
A exposição inclui secções juvenis, programas educativos, concursos de fotografia para os habitantes da cidade, uma feira e workshops. Um programa assim amplia o círculo de participantes: o espectador pode não só ver, mas também fotografar, discutir, criar as suas próprias interpretações e voltar às obras com os filhos ou com amigos.
Cada vez mais, a exposição contemporânea torna-se não um lugar de conservação da arte, mas uma infraestrutura de convívio. Neste sentido, a arte pública ajuda a formar um sentimento de pertença à cidade. Cria pontos de referência, lugares de encontro e memórias visuais comuns.
Os estudos sobre arte urbana e creative placemaking mostram que os projetos artísticos podem fortalecer a identidade local, estimular as interações sociais e ativar espaços que antes eram percecionados apenas como transitórios. Torna-se especialmente significativa a participação dos próprios habitantes: o lugar adquire valor não só graças à autoridade do artista, mas também porque as pessoas se envolvem na sua vida.
Para Jing’an, isto significa a passagem de uma exposição pontual para uma estratégia cultural de longo prazo. O parque, a rua e a margem ribeirinha unem-se num único ambiente artístico. A arte não se isola da vida urbana, mas ajuda a lê-la de novo — a ver a ligação entre a natureza, a infraestrutura, a memória do bairro e o futuro tecnológico.
Como ver a exposição com atenção
Para sentir a lógica da «Manifestação Espacial», vale a pena percorrer a exposição não como uma lista de objetos, mas como um itinerário.
Comece pelo Parque de Esculturas de Jing’an durante o dia. Preste atenção à escala das obras, à distância entre elas e ao modo como entram em diálogo com as árvores, os caminhos e a arquitetura envolvente. Depois, siga até à Estrada de Nanquim Ocidental: aqui nota-se especialmente como o objeto artístico existe ao lado da cidade comercial, do fluxo de trânsito e da pressa humana.
Depois do pôr do sol, vale a pena voltar às obras que utilizam a luz, o reflexo e as tecnologias digitais. Compare as suas impressões: que detalhe desapareceu, que detalhe surgiu, que obra se tornou mais íntima e qual se tornou mais arquitetónica?
É útil manter um pequeno diário visual e registar três coisas:
• o que notou primeiro;
• como a obra mudou após alguns minutos de observação;
• o que nela está ligado precisamente a Xangai e não poderia existir em qualquer outro lugar.
Se uma viagem a Xangai ainda não está nos planos, o tema pode ser continuado online. Para conhecer a arte da luz e do espaço, são adequados os arquivos da Tate e do Louisiana Channel, os materiais sobre o Skulpturenpark Waldfrieden de Tony Cragg, bem como os projetos digitais de museus de arte contemporânea. Como livros e catálogos, vale a pena prestar atenção às edições sobre Olafur Eliasson, a arte pública e a escultura contemporânea, onde a obra é considerada não isoladamente, mas em ligação com a arquitetura, a paisagem e a experiência corporal do espectador.
Porque esta exposição permanecerá connosco
«Manifestação Espacial» mostra que a escultura urbana pode ser simultaneamente internacional e local, tecnológica e sensorial, intelectual e acessível ao transeunte casual.
Neste projeto, Xangai não é um pano de fundo, mas um coautor. As suas ruas, a água, a arquitetura em altura, a densidade do movimento e a luz mutável participam na criação de cada experiência do espectador. A mesma obra nunca se repete absolutamente: é alterada pela hora, pelo tempo, pelo percurso, pelo estado de espírito e pela presença de outras pessoas.
É aqui que reside o sentido principal da exposição. A arte não se limita a ocupar o espaço — ajuda o espaço a manifestar-se. Graças à escultura, o parque torna-se mais atento à luz, a rua — à escala humana, e a cidade — à sua própria memória e ao seu futuro.
Até 31 de dezembro de 2026, Jing’an propõe olhar para Xangai como uma composição viva, onde as formas continuam a surgir mesmo diante dos olhos. E, talvez, depois de um passeio assim, a cidade habitual já nunca mais pareça a mesma: nela começarão a revelar-se ritmos ocultos, linhas inesperadas e lugares que esperam não uma explicação, mas um olhar atento.
