レバノン系フランス人アーティスト兼作曲家 タレク・アトゥイ は、音楽を世界から切り離すべきではないと提案する。彼はガラス、水、陶器、金属、空気から楽器を作り、建築を共鳴する身体へと変え、人間に耳だけでなく全身で聴くよう誘う。
13年2026月 アトゥイは、世界でも最も広く特異な展示空間の一つであるロンドンのテート・モダン、タービン・ホールで新たなサウンド・インスタレーションを公開する。
ここには、観客が来る前に完成された作品を上演するような従来の舞台はない。
空間が楽器となる。訪問者は参加者となる。
そして聴くことは、世界と関わる方法となる。
沈黙させることなど不可能なホール
テート・モダンのタービン・ホールは、何階建てもの家ほどの高さを持つ、かつての産業空間である。そこを毎日、観光客や学校の団体、家族連れ、ふらりと訪れた人々が通り抜けていく。ここでは話し、笑い、走り、立ち止まり、そしてまた先へと進んでいく。
従来のコンサートにとって、このような環境は深刻な問題となるだろう。ホールにはあまりにも多くの反響、予測できない騒音、絶えず動き続ける人々が存在する。
しかしアトゥイは、無菌的な静寂を達成しようとか、あらかじめ決められた演奏を再現しようとはしていない。彼が関心を抱くのは、楽器、空間、そしてそこに居合わせる人間が出会うことで音が生まれる、その過程そのものである。
だからといって、ホールの騒音が必ずしも妨げになるわけではない。それは、もう一人の対等な参加者として、全体の響きの中に入り込むことができる。
新しいインスタレーションの正確な仕組みは、まだ明かされていない。公開まで、アーティストは意図的にその詳細を秘密にしている。分かっているのは、これがタービン・ホールのために特別に制作され、音、振動、建築、そして観客のつながりを探求する作品になるということである。
展覧会は11まで続く 2027年11月 そして、年次プログラムHyundai Commissionの11番目のプロジェクトとなる。このシリーズの過去10年間の作品は、19百万人以上が鑑賞した。The Guardian
かつて存在しなかった道具
タレク・アトゥイは1980年にベイルートで生まれ、フランスで実験音楽を学び、現在はパリに暮らし、制作活動を行っている。
アルバムのリリースやコンサートツアーにとどまらず、彼は聴くことそのものの本質を探求し始めた。エンジニア、職人、音楽家、美術家たちとともに、アトゥイは機械仕掛けにも彫刻にも生き物にも似た、風変わりな楽器を生み出している。
彼のこれまでのプロジェクトでは、次のものが用いられてきた。
- ガラス、水、石、陶器、金属。
- 気流と音響チャンバー。
- モーターと電子センサー。
- コンピューターの音。
- 港、海、産業空間の録音。
- 人の触れ合い、呼吸、動き。
ある装置は手で動かす必要があり、別の装置は空気やモーターの衝撃に反応する。いくつかは、黙っているあいだは彫刻として受け止められるが、起動した瞬間、音を通して空間を開きはじめる。
アトゥイはただ風変わりな音色を発明しているのではない。彼が探求しているのは、 いったい何が物体を楽器にするのか.
おそらく楽器になるのは、物だけではない。素材、触れ合い、部屋、聴き手、そして注意——ひとつの出来事のうちに結び合わされた、関係の系全体なのだ。
耳だけで聴くのではない
アトゥイにとって最も重要な経験のひとつは、アラブ首長国連邦のシャルジャにある聴覚障害者の学校で学生たちと取り組んだことだった。
授業では、体で感じ取ることのできる低い周波数が用いられた。音波は、振動、圧力、素材の動きを通して知覚された——それを慣れた方法で聴く必要はなかった。
この経験によって、美術家は見出すことになった。唯一の普遍的な聴き方など存在しないのだと。
人々は聴覚の範囲、体のつくり、注意、経験、感情の状態によって異なっている。ある人が気づく高い周波数を、別の人はもう知覚しない。ある歌は、喜びのなかでも、悲しみのなかでも、強い体験のあとの静けさのなかでも、まったく違って響くことがある。絶え間ない電気の唸りは、誰かがそれに私たちの注意を向けるまで、気づかれずにいることができる。
だから聴いているのは、個々の耳ではない。
人間がまるごと聴いている——その体、記憶、感情、そして向けられた注意が。
新プロジェクトの公式な説明は、まさにこの原則を強調している。アトゥイの創作は音の概念を聴覚の限界の外へと広げ、それを知覚する触覚的・視覚的な方法を探求する。The Guardian
水に記録された歴史
プロジェクト『Waters’ Witness』では Waters’ Witness —「水の証言」— アトゥイは、アテネ、ベイルート、アブダビ、イスタンブル、ポルト、シンガポール、シドニーなど、港湾都市の音の景観を探求した。
録音は海岸の近く、水中、そして都市インフラのそばで行われた。こうして、通常は人間の注意には届かない音響の層が明らかになった。船舶の動き、機械の作動、水中の衝撃、軍事活動、そして環境そのものの声である。
美術家はこれらの録音を大理石、金属、陶器、石と結び合わせ、集められた音を空間的な体験へと変えた。
ここで水は背景ではなく、記憶の担い手となった。それは人間の活動の痕跡、都市の動き、その場所の歴史を保っていた。
こうして別の形の記録が生まれた。過去は読んだり眺めたりするだけでなく、空間の振動のなかで聴くこともできるのだ。
コンサートではなく、共なる響き
開幕後、Tate Modernの新作は定期的にライブ・インプロヴィゼーションの場へと変わる。
最初の二回の音楽セッションは 17月2026日。タレク・アトゥイとともに、プロジェクトEmptysetのメンバー、トランペット奏者で作曲家のマーゼン・ケルバージ、マルチインストゥルメンタリストの岩佐健一、歌手のアヤ・メトワリが出演する。
声、エレクトロニクス、アコースティック楽器がインスタレーションそのものと相互作用する。ある場合には音楽家たちはそれを音響システムとして使い、別の場合には楽器のセットとして、あるいは独立した音響環境として用いることができる。
したがって、この作品が二度同じように響くことはない。
演奏者が変わる。聴き手が移動する。空間は新たな衝撃に応答する。
それぞれの出会いが、全体の独自の版を生み出す。
プロジェクトの中心にあるのは、共に聴くこと、インプロヴィゼーション、そして音をめぐって人々が集まることだ。
音楽は私たちに何を思い起こさせるのか。
私たちは世界の外側にいるのでも、孤立した一点から世界を観察しているのでもない。私たちの歩みはすでにその響きを変え、呼吸は共通のリズムに入り、注意はこれまで気づかれずにいたものを浮かび上がらせる。
この楽譜の一部となるために、専門的な聴覚や音楽理論の知識を持っている必要はない。それぞれの存在の形が、それ自身の振動をそこにもたらす。
統一のために自らの本性を捨て去る必要など誰にもない。むしろ、それぞれが自分の声でそこに加わるからこそ、全体の響きはより豊かになる。
音楽は、世界に無理やり音を出させるときに生まれるのではなく、その無数の声が互いに聴こえ合うことを許されるときに生まれる。
