All'inizio di luglio dello scorso anno, l'economia stagnante del Regno Unito ha ricevuto una potente spinta finanziaria da due fonti inaspettate: i pionieri dell'heavy metal Black Sabbath e i protagonisti del brit-pop Oasis. Il solo concerto d'addio dei Black Sabbath a Birmingham ha iniettato circa 20 milioni di sterline nell'economia locale, mentre la tappa britannica del tour degli Oasis ha garantito al Paese un afflusso di un miliardo di sterline. Chi oserebbe dire, a fronte di tali numeri, che il rock and roll sia morto?
Tuttavia, dietro queste cifre trionfali si nasconde una realtà ben più cupa per i creativi comuni. L'industria musicale, che un tempo permetteva ai talenti provenienti dalle famiglie operaie di emergere, oggi è irriconoscibile. Il crollo delle vendite di supporti fisici nell'era dello streaming, la chiusura dei piccoli locali (nell'ultimo ventennio nel Regno Unito ne è scomparso un terzo) e la minaccia dell'intelligenza artificiale generativa hanno spinto molti artisti in un vicolo cieco.
La crisi della classe creativa e la carenza di "tempo e spazio"
Secondo i dati dell'organizzazione benefica Arts Emergency, i più colpiti sono gli artisti della classe operaia, le persone con disabilità e le minoranze etniche. La situazione è aggravata dai tagli ai finanziamenti: la città di Birmingham, per esempio, ha azzerato completamente il proprio budget destinato alle arti.
Il risultato è desolante: oggi nel Regno Unito l'attività creativa sembra essere diventata un privilegio riservato quasi esclusivamente ai benestanti. Appena un lavoratore del settore culturale su dieci proviene dalla classe operaia.
La svolta irlandese: il primo reddito di base permanente della storia
Mentre il Regno Unito taglia i costi, altri paesi europei riconoscono che l'arte non è una semplice voce di spesa, bensì un investimento. Winston Churchill, nel 1953, affermava: «L'arte è essenziale per qualsiasi vita nazionale completa. Il Paese ha il dovere di sostenerla». L'Irlanda ha deciso di tradurre queste parole in realtà.
Nel 2022, il governo irlandese ha lanciato un esperimento senza precedenti: un reddito di base per gli artisti. I partecipanti ricevevano 325 euro (283 sterline) a settimana. Il programma pilota, con un budget di 25 milioni di euro, ha coinvolto oltre 2.000 creativi. Uno studio pubblicato lo scorso anno ha mostrato risultati sorprendenti: lo schema ha generato per l'economia irlandese 100 milioni di euro in termini di benefici sociali ed economici, ripagando ampiamente l'investimento iniziale.
Incoraggiato da questi dati, a febbraio 2026 il governo ha reso il programma permanente. Si tratta del primo caso nella storia delle sperimentazioni sul reddito di base in cui un'iniziativa temporanea viene trasformata in una misura a tempo indeterminato.
Qual è il vantaggio per lo Stato?
Un'indagine indipendente, condotta dalla società Alma Economics su incarico del Ministero della Cultura irlandese, ha analizzato nel dettaglio la composizione di quei 100 milioni di euro e perché tale misura sia vantaggiosa per le casse pubbliche. Ecco come funziona questo modello economico:
1. Compensazione fiscale: come lo Stato ha recuperato parte del denaro
Inizialmente, per i pagamenti ai 2.000 artisti erano stati stanziati 105 milioni di euro. Tuttavia, il costo reale (netto) del programma per lo Stato è stato di 72 milioni di euro. Che fine hanno fatto i restanti 33 milioni?
- Riduzione del carico sulla previdenza sociale: Prima di ricevere il reddito di base, molti artisti erano costretti a ricorrere ai sussidi di disoccupazione. Grazie alla stabilità dei 325 euro settimanali, la dipendenza dei partecipanti dal welfare è diminuita: in media, hanno ricevuto 100 euro in meno di sussidi statali, e la probabilità di richiedere l'indennità di disoccupazione (Jobseeker’s) è calata di 38 punti percentuali. Lo Stato ha smesso di pagarli come disoccupati e ha iniziato a ottenere un ritorno da professionisti attivi.
- Tasse e consumi: Una volta ricevuto il reddito di base, gli artisti non lo hanno messo sotto il materasso. Lo hanno speso per l'affitto, il cibo, i materiali e i servizi, generando così gettito IVA e sostenendo le imprese locali.
2. Benessere psicologico = Risparmio sulla sanità (80 milioni di euro)
La quota più consistente dei benefici dichiarati (quasi 80 milioni di euro) deriva dal miglioramento della salute mentale dei partecipanti. Lo Stato risparmia somme ingenti in assistenza psichiatrica gratuita, antidepressivi, congedi per malattia e perdita di capacità lavorativa dei cittadini.
3. Valore culturale e coinvolgimento del pubblico (16,9 milioni di euro)
Altri 16,9 milioni di euro sono stati calcolati in base alla cosiddetta "disponibilità a pagare" (willingness-to-pay) della società per l'esperienza culturale. Avendo tempo da dedicare alla creatività (invece di barcamenarsi tra tre lavori per sopravvivere), gli artisti hanno prodotto più mostre, spettacoli e musica. Ciò ha attirato pubblico. Nell'economia della cultura esiste un effetto moltiplicatore: un festival o una mostra non sostengono solo l'artista, ma anche i proprietari delle location, i tecnici del suono, i professionisti del marketing, gli hotel, i ristoranti e i trasporti. L'investimento nell'artista innesca una reazione a catena di spese nei settori economici correlati.
4. Crescita del reddito reale degli artisti stessi
Paradossalmente, ricevendo denaro dallo Stato "senza condizioni", gli artisti hanno iniziato a guadagnare di più con le proprie forze. Lo studio ha dimostrato che il reddito mensile medio dei partecipanti derivante dal loro lavoro principale (creativo) è aumentato di oltre 500 euro, mentre i proventi da lavoretti occasionali sono scesi di 280 euro. Ciò significa che le persone hanno smesso di disperdere energie in lavori non qualificati e hanno iniziato a produrre contenuti intellettuali e culturali di qualità, spendibili sul mercato.
Conclusione: la formula del rendimento
Il Ministro della Cultura Patrick O’Donovan ha riassunto il rapporto con una formula semplice: per ogni euro di investimento pubblico, la società ha ricevuto un ritorno di 1,39 euro.
I modelli norvegese e francese: libertà senza burocrazia
L'esperienza irlandese riflette gli approcci di altri paesi europei, che hanno compreso da tempo come il processo creativo non possa essere rinchiuso in schemi rigidi.
Norvegia: Nel paese è attivo il programma statens kunstnerstipend, una versione modernizzata delle borse di studio tradizionali. Essa offre agli artisti uno stipendio mensile per una durata massima di cinque anni. La differenza fondamentale risiede nel fatto che il denaro è assegnato al creativo stesso e non è vincolato a un progetto specifico. «Questa struttura riconosce che lo sviluppo artistico, come ogni altra ricerca, dipende da un'esplorazione aperta, da orizzonti a lungo termine e dalla libertà di seguire idee il cui esito non può essere previsto in anticipo», spiega Trude Gomnes Ugelstad, a capo del comitato del programma. L'artista Tobias Pritz, che realizza imponenti installazioni in legno, riceve circa 25.600 sterline all'anno. «All'inizio mi sono chiesto: "Chi sono io per ricevere questo denaro?". Ma ciò mi ha dato lo spazio per crescere senza dover correre tra un lavoretto e l'altro. Non devo più scendere a compromessi nella mia arte», racconta.
Francia: Qui opera il sistema dell'intermittents du spectacle, una specifica assicurazione contro la disoccupazione per i lavoratori dello spettacolo. Per ricevere i sussidi nei periodi di inattività, gli artisti devono aver lavorato almeno 507 ore all'anno nel settore culturale. La drammaturga parigina Esther Hammeker, la cui pièce d'esordio sulla storia del cabaret francese è andata in scena recentemente nel nuovo quartiere culturale di La Villette, beneficia di questo sistema. Lavorando part-time in un teatro locale, ha la possibilità di dedicare intere giornate alla propria creazione. «Significa che non devo preoccuparmi dei soldi o cercare un altro lavoro per sopravvivere. Ho tempo per il mio testo teatrale», afferma.
L'arte come fondamento economico e sociale
I critici del reddito di base per gli artisti sottolineano spesso che i fondi pubblici servirebbero a fasce di popolazione più vulnerabili (ad esempio, nel contesto dell'emergenza abitativa record in Irlanda). Inoltre, la copertura dei programmi non è universale: in Irlanda il sostegno è andato a 2.000 persone, ma le domande sono state molte di più.
Ciononostante, in un'epoca in cui le opere d'arte vengono utilizzate per addestrare le reti neurali senza remunerazione per gli autori, tali schemi ristabiliscono il giusto valore della creatività. Gli studi dimostrano inoltre che il coinvolgimento nella cultura migliora i parametri di salute della popolazione, offrendo ai governi ulteriori incentivi per sostenere gli artisti.
Il futuro della cultura: lezioni per il Regno Unito
I finanziamenti pubblici all'arte nel Regno Unito sono in costante calo: tra il 2009 e il 2023, i budget locali per la cultura in Inghilterra sono diminuiti del 48%, in Galles del 40% e in Scozia del 29%. Eppure, ogni anno il settore artistico contribuisce all'economia nazionale per circa 10,6 miliardi di sterline.
