Au début du mois de juillet dernier, l'économie stagnante du Royaume-Uni a reçu une impulsion financière massive de la part de deux sources inattendues : les pionniers du heavy metal Black Sabbath et les icônes de la brit-pop Oasis. Le seul concert d'adieu de Black Sabbath à Birmingham a injecté environ 20 millions de livres sterling dans l'économie locale, tandis que la branche britannique de la tournée d'Oasis a assuré un apport de 1 milliard de livres sterling au pays. À première vue, qui oserait dire que le rock'n'roll est mort ?
Derrière ces chiffres triomphaux se cache toutefois une réalité bien plus sombre pour les créateurs ordinaires. L'industrie musicale, qui permettait autrefois l'ascension sociale de personnes issues des classes populaires, est aujourd'hui méconnaissable. La chute des ventes physiques à l'ère du streaming, la fermeture des petites salles de concert (un tiers d'entre elles ont disparu au Royaume-Uni ces vingt dernières années) et la menace de l'IA générative ont acculé de nombreux artistes.
La crise de la classe créative et le manque de « temps et d'espace »
Selon l'organisation caritative Arts Emergency, les artistes issus de la classe ouvrière, les personnes en situation de handicap et les minorités ethniques sont les plus durement touchés. Cette situation est aggravée par les coupes budgétaires : par exemple, la ville de Birmingham a purement et simplement supprimé son budget consacré aux arts.
Le constat est amer : aujourd'hui, la création artistique au Royaume-Uni est devenue le privilège des plus aisés. À peine un travailleur du secteur culturel sur dix est issu de la classe ouvrière.
Un tournant en Irlande : le premier revenu de base permanent de l'histoire
Alors que le Royaume-Uni réduit ses dépenses, d'autres pays européens reconnaissent que l'art n'est pas une simple charge, mais un investissement. En 1953, Winston Churchill affirmait : « Les arts sont essentiels à toute vie nationale accomplie. Il est du devoir du pays de les soutenir ». L'Irlande a décidé de transformer ces paroles en actes.
En 2022, le gouvernement irlandais a lancé une expérience sans précédent : un revenu de base pour les artistes. Les participants percevaient 325 € (283 £) par semaine. Ce programme pilote de 25 millions d'euros a bénéficié à plus de 2 000 créateurs. Une étude publiée l'année dernière a révélé des résultats spectaculaires : le dispositif a généré 100 millions d'euros de bénéfices sociaux et économiques pour l'Irlande, rentabilisant largement l'investissement initial.
Fort de ces chiffres, le gouvernement a pérennisé le programme en février 2026. C'est la première fois dans l'histoire des expérimentations sur le revenu de base qu'une initiative temporaire devient un dispositif à durée indéterminée.
D'où provient le bénéfice pour l'État ?
Une étude indépendante menée par la société Alma Economics pour le compte du ministère de la Culture irlandais a analysé en détail l'origine de ces 100 millions d'euros et les raisons de leur rentabilité budgétaire. Voici comment fonctionne ce modèle économique :
1. Compensation fiscale : comment l'État a récupéré une partie de sa mise
Initialement, 105 millions d'euros ont été alloués pour verser ces allocations aux 2 000 artistes. Pourtant, le coût réel (net) du programme pour l'État ne s'est élevé qu'à 72 millions d'euros. Où sont passés les 33 millions restants ?
- Réduction de la charge sur la protection sociale : Avant de percevoir ce revenu de base, de nombreux artistes étaient inscrits au chômage. Grâce à ces 325 € hebdomadaires stables, la dépendance des participants aux aides sociales a chuté : en moyenne, ils ont perçu 100 € de moins de la part de l'État, et la probabilité de toucher des allocations chômage (Jobseeker’s) a diminué de 38 points de pourcentage. L'État a cessé de les subventionner en tant que chômeurs pour commencer à en récolter les fruits en tant que professionnels en activité.
- Impôts et consommation : En recevant ce revenu de base, les artistes ne l'ont pas thésaurisé. Ils l'ont dépensé en loyers, nourriture, matériel et services, générant ainsi de la TVA et soutenant l'économie locale.
2. Bien-être psychologique = Économies sur la santé (80 millions d'euros)
La plus grande partie des 100 millions d'euros de bénéfices annoncés (près de 80 millions) provient de l'amélioration de la santé mentale des participants. L'État économise des sommes considérables sur les soins psychiatriques gratuits, les antidépresseurs, les congés maladie et la perte de productivité des citoyens.
3. Valeur culturelle et engagement du public (16,9 millions d'euros)
Un montant supplémentaire de 16,9 millions d'euros a été calculé sur la base de la « volonté de payer » de la société pour des expériences culturelles. Disposant de temps pour créer (plutôt que de cumuler trois petits boulots pour survivre), les artistes ont produit davantage d'expositions, de spectacles et de musique. Cela a attiré du public. Dans l'économie de la culture, il existe un effet multiplicateur : un festival ou une exposition fait vivre non seulement l'artiste, mais aussi les propriétaires de lieux, les ingénieurs du son, les marketeurs, les hôtels, les restaurants et les transports. L'investissement dans l'artiste déclenche une réaction en chaîne de dépenses dans des secteurs connexes.
4. Croissance du revenu réel des artistes eux-mêmes
De manière paradoxale, en recevant de l'argent de l'État « sans contrepartie », les artistes ont fini par gagner plus par eux-mêmes. L'étude montre que le revenu mensuel moyen des participants issu de leur activité principale (créative) a augmenté de plus de 500 €, tandis que les revenus des petits boulots occasionnels ont chuté de 280 €. Cela signifie que les créateurs ont cessé de se disperser dans des tâches non qualifiées pour produire des biens intellectuels et culturels de qualité, vendables sur le marché.
Conclusion : la formule de rentabilité
Le ministre de la Culture, Patrick O’Donovan, a résumé le rapport par une équation simple : pour chaque euro investi par l'État, la société a bénéficié d'un retour de 1,39 €.
Les modèles norvégien et français : la liberté sans bureaucratie
L'expérience irlandaise fait écho aux approches d'autres pays européens qui ont compris depuis longtemps que le processus créatif ne supporte pas de cadres trop rigides.
Norvège : Le pays applique le programme statens kunstnerstipend, une version modernisée des bourses traditionnelles. Il propose aux artistes un salaire mensuel pour une durée allant jusqu'à cinq ans. La différence majeure réside dans le fait que l'argent est alloué au créateur lui-même et n'est pas lié à un projet spécifique. « Cette conception reconnaît que le développement artistique, comme toute autre recherche, dépend d'une exploration ouverte, d'horizons à long terme et de la liberté de suivre des idées dont l'issue est imprévisible », explique Trude Gombnes Ugelstad, directrice du comité du programme. L'artiste Tobias Pritz, qui conçoit des installations monumentales en bois, perçoit environ 25 600 £ par an. « Au début, je me suis demandé : "Qui suis-je pour recevoir cet argent ?" Mais cela m'a offert l'espace nécessaire pour évoluer sans avoir à jongler entre les petits boulots. Je n'ai plus besoin de faire de compromis dans mon art », confie-t-il.
France : Le système des intermittents du spectacle y est en vigueur ; il s'agit d'une assurance chômage spécifique pour les travailleurs du divertissement. Pour percevoir des indemnités durant les périodes creuses, les artistes doivent travailler au moins 507 heures par an dans le secteur culturel. La dramaturge parisienne Esther Hammeker, dont la première pièce sur l'histoire du cabaret français a récemment été jouée dans le nouveau quartier culturel de La Villette, bénéficie de ce système. En travaillant à mi-temps dans un théâtre local, elle a la possibilité de consacrer des journées entières à sa création. « Cela signifie que je n'ai pas à m'inquiéter pour l'argent ou à chercher un autre emploi pour survivre. J'ai du temps pour ma pièce », dit-elle.
L'art comme fondement économique et social
Les détracteurs d'un revenu de base pour les artistes soulignent souvent que les fonds publics devraient être alloués aux populations les plus vulnérables (notamment face au niveau record de sans-abrisme en Irlande). De plus, ces programmes ne sont pas universels : en Irlande, 2 000 personnes ont reçu de l'aide, mais les demandes étaient bien plus nombreuses.
Néanmoins, à une époque où les œuvres d'art servent à entraîner des réseaux neuronaux sans rémunérer les auteurs, de tels dispositifs restaurent la juste valeur de la création. Les études montrent également que la participation à la vie culturelle améliore la santé de la population, offrant aux gouvernements des motivations supplémentaires pour soutenir les artistes.
L'avenir de la culture : des leçons pour le Royaume-Uni
Le financement public des arts au Royaume-Uni est en déclin constant : entre 2009 et 2023, les budgets locaux consacrés à la culture ont chuté de 48 % en Angleterre, de 40 % au pays de Galles et de 29 % en Écosse. Pourtant, le secteur artistique rapporte chaque année environ 10,6 milliards de livres sterling à l'économie du pays.
