Щодвароки Венеція перетворюється на найбільший огляд сучасного мистецтва на планеті. 9 травня 2026 року в садах Джардіні та на просторах Арсеналу відкрилася 61-ша Міжнародна художня виставка — «In Minor Keys» («У мінорних тональностях»). За назвою стоїть не меланхолія, а особлива глибина: саме так у музиці мінорна тональність сприймається не як синонім смутку, а як простір складного, багатошарового та живого переживання. Кураторкою виставки стала Койо Куо (Koyo Kouoh) — засновниця культурного центру RAW Material Company та колишня виконавча директорка й головна кураторка Zeitz MOCAA. Задум Койо Куо, втілений у концепції «In Minor Keys», отримав значний резонанс в артспільноті. Ідея виставки як простору «мінорних тональностей» — де цінуються тихі голоси та тонкі емоційні стани — була сприйнята як сміливий крок до нової кураторської мови.
«In Minor Keys» запозичує свою назву з музики — і це не просто красива метафора.
Джаз непередбачуваний. Він будується на імпровізації, паузах та діалозі між музикантами — і саме цей принцип став основою для відбору 110 художників. Не за хронологією, жанрами чи географією — а за «резонансами, схожістю та можливими точками сходження між практиками, навіть коли вони далекі одна від одної», — зазначається в офіційному пресрелізі бієнале.
Виставка не поділена на тематичні розділи. Натомість тут панують «підводні течії», що плавно переходять з одного твору в інший, охоплюючи такі напрями, як Вівтарі, Процесії, Зачарованість, Духовний та фізичний відпочинок, художні «острови», а також Школи — термін, що підкреслює переконаність Куо в здатності митців самостійно створювати інституції та спільноти навколо себе.
«Художники — це канали до мінорних тональностей і між ними, — написала вона в кураторському тексті. — Слухати їх, а не говорити за них — це і є суть кураторського задуму».
Архітектурне втілення цієї музичної логіки розробило кейптаунське бюро Wolff Architects. Їхнє рішення — лаконічне та влучне: зі стель Центрального павільйону та Арсеналу спускаються широкі індигові полотна, що позначають переходи між зонами. Вони не створюють жорстких кордонів, а модулюють темп і атмосферу, зберігаючи автономію кожного митця. Індиго — це колір нічного неба, глибини та водночас Африки. Колір, який Куо пронесла крізь усе своє життя.
«Мінорні тональності — це екзотичні подорожі, що звертаються до чуттєвого: вони запрошують глядачів дивуватися, медитувати, мріяти, тріумфувати, роздумувати та перебувати у спільності», — Гейб Бекхерст-Фейхоо, кураторський радник.
- 110 художників і колективів — більшість із Глобального Півдня: Африки, Карибського басейну, Латинської Америки та Азії.
- 100 національних павільйонів — частина з них розташована в Джардіні та Арсеналі, інші розміщені в різних локаціях по всій Венеції.
- 7 нових країн-учасниць: Гвінея, Екваторіальна Гвинея, Науру, Катар, Сьєрра-Леоне, Сомалі та В’єтнам уперше відкривають власні павільйони на бієнале.
- Сальвадор — окремо відзначений як країна, що вперше бере участь із власним національним павільйоном.
- 31 паралельна подія — заходи проходять у межах бієнале на різних майданчиках міста (церкви, палаццо та міські простори).
- 9 травня — 22 листопада 2026 року — 198 днів роботи (включно). Церемонія нагородження — 22 листопада 2026 року.
Це само по собі є значущою подією: мапа сучасного мистецтва розширюється — і саме в тому напрямку, який Куо вважає пріоритетним.
Куо відбирала художників за єдиним принципом: їхні практики мають «живити, підтримувати та возз’єднувати», виводячи на авансцену чуттєвий, емоційний та суб’єктивний вимір досвіду. Ось кілька ключових імен основної експозиції:
- Nick Cave (США, Чикаго): «Amalgam (Origin)» (2025) — постать-охоронець в Арсеналі. Скульптура, в якій опір набуває радісного, майже святкового вираження.
- Wangechi Mutu (Кенія/США): «SimbiSiren» (2026) — бронзова скульптура, що поєднує в собі образи русалки, сфінкса, духа Конго та кореня дерева. Гібрид як символ цілісності.
- Laurie Anderson (США): масштабна інсталяція — один із трьох головних «якорів» виставки. Поєднання голосу, звуку та простору в єдиний твір.
- Kader Attia (Франція/Німеччина): досліджує концепцію «ремонту» — ідею зцілення та відновлення як художньої та політичної практики.
- Torkwase Dyson (США, Нью-Йорк): архітектура, вода та свобода тіла — її практика досліджує простір як політичний вимір.
- Alfredo Jaar (Чилі/Португалія): з 1979 року працює з образом та ідеєю справедливості. Ветеран бієнале — від часів Піночета в Чилі до сьогоднішніх днів.
- Mama Magdalena Campos-Pons (Куба/США): живопис, скло, кераміка — її роботи присвячені пам’яті, красі та зв’язку поколінь.
- Otobong Nkanga (Нігерія/Бельгія): рослини, земля, зв’язок тіла з ландшафтом — її практика буквально проростає крізь усю виставку.
Національні павільйони існують незалежно від основної експозиції та самостійно обирають митців. У 2026 році вони формують надзвичайно виразну картину — передусім тому, що кілька країн зробили принципову ставку на нове:
- Велика Британія представляє Лубайну Хімід — лауреатку премії Тернера 2017 року та другу чорношкіру художницю в історії британського павільйону. Її робота досліджує колоніальну історію та голоси, що занадто довго залишалися непочутими.
- Франція вперше представляє в національному павільйоні Іто Барраду — мисткиню, чия творчість торкається тем пам’яті, дитинства та суспільного простору.
- США висувають скульпторку Alma Allen — дебют, за яким уважно стежить увесь мистецький світ.
- Павільйон Ватикану курують Ганс Ульріх Обріст та Бен Віккерс, запросивши до програми Патті Сміт.
- Данія обрала Maja Malou Lyse — наймолодшу представницю в історії данського павільйону.
Сім нових країн-учасниць — Гвінея, Екваторіальна Гвинея, Науру, Катар, Сьєрра-Леоне, Сомалі та В’єтнам — уперше відкривають власні павільйони. Окремо варто згадати Сальвадор, який також дебютує з власним павільйоном. Це не просто розширення географії, а зміна самої мови, якою бієнале веде діалог зі світом.
Однією з найбільш зворушливих подій програми стане «Процесія поетів» у садах Джардіні. У 1999 році Куо вирушила з Дакара до Тімбукту разом із дев’ятьма африканськими поетами — цей «Поетичний потяг» став одним із ключових переживань у її житті. У Венеції його відтворюють як живу ходу: поети йдуть крізь сади, а їхні голоси наповнюють простір виставки. Це пряма відсилка до історії та водночас віра в те, що поезія здатна долати кордони між епохами й культурами.
Другий наскрізний символ усієї виставки — сад. Куо розглядає його не лише як оазу життя та краси, а як простір опору та збереження: історично саме в садах люди плекали знання, насіння та свою ідентичність. Рослини буквально проростають крізь експозицію — у скульптурах Муту, в інсталяціях Нканги, в архітектурних рішеннях павільйонів. Жива природа стає не декорацією до мистецтва, а його невід’ємною частиною.
«Музика триває. Пісні тих, хто створює красу всупереч обставинам. Мелодії тих, хто відроджується з руїн. Гармонії тих, хто зцілює рани та світи», — з кураторського тексту «In Minor Keys».
Венеційська бієнале проводиться з 1895 року. Протягом цього часу вона відображала цілі епохи, політичні розломи та художні революції. «In Minor Keys» робить ставку на інше — на те, що тихе та інтимне є не менш значущим за гучне й монументальне. У світі, перевантаженому інформаційним шумом та високими швидкостями, ця виставка пропонує сповільнитися й налаштуватися на іншу частоту.
Концепція Куо — змістити фокус із декларативних заяв на чуттєве сприйняття — значною мірою визначила досвід відвідувачів. Як підкреслюється в кураторському тексті «In Minor Keys»: «Музика триває. Пісні тих, кто створює красу всупереч обставинам. Мелодії тих, хто відроджується з руїн. Гармонії тих, хто зцілює рани та світи». Бієнале прагне не пояснювати, а живити. Це рідкісна та щира амбіція для події такого світового масштабу.
