2年に一度、ヴェネチアは地球上で最大の現代アート展示場へと姿を変える。2026年5月9日、ジャルディーニ公園とアルセナーレの広大な敷地において、第61回国際美術展「イン・マイナー・キーズ（短調で）」が開幕した。この名称に込められたのは哀愁ではなく、音楽における短調が単なる悲しみの代名詞ではなく、複雑で多層的な、生きた経験の場として機能するのと同様の独特な深みである。キュレーターを務めたのは、文化センター「RAW Material Company」の創設者であり、Zeitz MOCAAの元エグゼクティブ・ディレクター兼チーフ・キュレーターであるコヨ・クオ（Koyo Kouoh）氏だ。クオ氏の構想は「イン・マイナー・キーズ」というコンセプトに結実し、アート界に大きな反響を呼んだ。控えめな声や繊細な感情の状態を尊ぶ「短調」の場として展覧会を捉えるアイデアは、新たなキュレーション言語への大胆な一歩として受け止められた。
アイデア：キュレーションの原理としてのジャズ
「イン・マイナー・キーズ」というタイトルは音楽から引用されたものだが、それは単なる美しい比喩に留まらない。
ジャズは予測不能である。それは即興、静寂、そして演奏者同士の対話によって構築される。年代やジャンル、地域といった枠組みではなく、ビエンナーレの公式プレスリリースが記すように、「たとえ互いに遠く離れていても、実践の間に生じる共鳴、類似性、そして収束の可能性」に基づいて110組のアーティストが選定された。
本展にはテーマ別のセクションは存在しない。代わりに、作品から作品へと流れ込む「底流（アンダーカレント）」が配置されており、そこには「祭壇」、「行列」、「魅了」、「精神的・肉体的休息」、芸術的な「島々」、そして「学校」といった方向性が含まれる。「学校」という言葉には、アーティスト自身が自らの周囲に制度やコミュニティを創り出すというクオ氏の信念が反映されている。
「アーティストは、マイナー・キー（短調）の中、あるいはその間を繋ぐ導管である」と、彼女はキュレーター・テキストに記している。「彼らに代わって語るのではなく、彼らに耳を傾けること。それこそがキュレーションの真髄である」。
この音楽的ロジックを建築的に具現化したのは、ケープタウンの設計事務所Wolff Architectsだ。彼らの提案はシンプルかつ的確で、中央パビリオンとアルセナーレの天井からは幅広のインディゴ色の布が垂れ下がり、ゾーン間の移行部を示している。それらは空間を厳格に仕切るのではなく、各アーティストの自律性を保ちながら、テンポと雰囲気を調整（モジュレート）している。インディゴは夜空の色であり、深淵の色であり、同時にアフリカの色でもある。クオ氏が人生を通じて抱き続けてきた色なのだ。
「マイナー・キーとは、感覚に訴えかけるエキゾチックな旅である。それは鑑賞者を驚嘆、瞑想、夢想、歓喜、内省へと誘い、共生の中へと招き入れる」——キュレーター・アドバイザー、ゲイブ・ベックハースト＝フェイホー。
規模：数字が語る事実
- 110組のアーティストとコレクティブが参加しており、その大半はアフリカ、カリブ海諸国、ラテンアメリカ、アジアといったグローバル・サウスの出身である。
- 100のナショナル・パビリオンが設置され、その一部はジャルディーニやアルセナーレに、その他はヴェネチア市内の各所に点在している。
- 7つの新たな参加国であるギニア、赤道ギニア、ナウル、カタール、シエラレオネ、ソマリア、ベトナムが、ビエンナーレで初めて自国のパビリオンを開設する。
- エルサルバドルは、今回初めて独自のパビリオンで参加する国として個別に注目されている。
- 31のパラレル・イベントがビエンナーレの一環として開催され、教会やパラッツォ、都市空間などヴェネチアの多様な会場を網羅している。
- 2026年5月9日から11月22日まで合計198日間開催され、授賞式は2026年11月22日に行われる。
これ自体が大きな出来事であり、現代アートの地図は、クオ氏が最も重要だと信じた方向へと拡大を続けている。
アーティストたち：その顔ぶれと目的
クオ氏は、「育み、支え、再接続する」という一つの原理に基づいてアーティストを選出した。彼らは感覚的、感情的、そして主観的な経験の次元を最前線に押し出している。主な出展作家は以下の通りである。
- ニック・ケイヴ（アメリカ、シカゴ）：アルセナーレに展示された彫刻「Amalgam (Origin)」（2025年）は、抵抗が喜びや祝祭的な表現へと変わる様を示している。
- ワンゲチ・ムトゥ（ケニア／アメリカ）：人魚、スフィンクス、コンゴの精霊、そして樹木の根を融合させたブロンズ彫刻「SimbiSiren」（2026年）は、ハイブリッドを完全性の象徴として描く。
- ローリー・アンダーソン（アメリカ）：声、音、空間を一つの作品として融合させた大規模なインスタレーションは、本展の3つの主要な「錨（アンカー）」の一つとなっている。
- カデール・アッティア（フランス／ドイツ）：「修復」という概念を、芸術的かつ政治的な実践としての癒やしと回復のアイデアを通じて探究している。
- トークワセ・ダイソン（アメリカ、ニューヨーク）：建築、水、そして身体の自由をテーマに、空間を政治的な次元として探究している。
- アルフレド・ジャー（チリ／ポルトガル）：1979年からイメージと正義をテーマに活動し、ピノチェト時代のチリから現代に至るまでビエンナーレに関わり続けるベテランである。
- ママ・マグダレーナ・カンポス＝ポンス（キューバ／アメリカ）：絵画、ガラス、陶芸を通じて、記憶、美、そして世代間の繋がりを考察している。
- オトボン・ンカンガ（ナイジェリア／ベルギー）：植物、土、そして身体と風景の結びつきを扱い、彼女の実践は展示全体を通じて文字通り芽吹いている。
ナショナル・パビリオン：新たな声と歴史的なデビュー
ナショナル・パビリオンは本展とは独立して運営され、アーティストも独自に選定される。2026年は、複数の国が「新しさ」に向けて重要な選択をしたことで、特に印象的な光景が広がっている。
- イギリス代表はルバイナ・ヒミッドだ。彼女は2017年のターナー賞受賞者であり、イギリス館の歴史において2人目の黒人アーティストとして、植民地時代の歴史や長く無視されてきた声を掘り下げている。
- フランスは、記憶や子供時代、公共空間を扱うアーティスト、イト・バラダを初めて自国パビリオンで紹介する。
- アメリカは彫刻家のアルマ・アレンを起用し、アート界全体がそのデビューに注目している。
- バチカン・パビリオンはハンス・ウルリッヒ・オブリストとベン・ヴィッカーズがキュレーションを務め、パティ・スミスをプログラムに加えている。
- デンマークは、デンマーク館の歴史において最年少の代表となるマヤ・マルー・リーセを選出した。
ギニア、赤道ギニア、ナウル、カタール、シエラレオネ、ソマリア、ベトナムの7カ国が初めて自国のパビリオンを開設した。また、今回初めて自国のパビリオンを持つエルサルバドルの参加も特筆に値する。これは単なる地理的な拡大ではなく、ビエンナーレが世界と対話する際の言語そのものの変容を意味している。
展示の生きた心臓：詩人の行列とマニフェストとしての庭園
プログラムの中で最も心揺さぶられるイベントの一つが、ジャルディーニ公園で行われる「詩人の行列」だ。1999年、クオ氏は9名のアフリカ人詩人と共にダカールからトンブクトゥへと旅をしたが、この「ポエトリー・トレイン」は彼女の経歴における重要な原体験となっている。ヴェネチアではそれが生きたパレードとして再現され、詩人たちが庭園を練り歩き、その声が展示空間に響き渡る。これは歴史からの直接的な引用であると同時に、詩には時代や文化の境界を越える力があるという信念の表明でもある。
展示全体を貫くもう一つの象徴が「庭園」である。クオ氏は、庭園を単なる生命や美の場としてではなく、抵抗と保存の空間として捉えていた。歴史的に、人々は庭園において知識や種、そしてアイデンティティを守り抜いてきたからだ。ムトゥの彫刻、ンカンガのインスタレーション、パビリオンの建築的解決策など、植物は展示の随所で文字通り芽吹いている。生きた自然は、芸術の装飾ではなく、その不可欠な一部として存在している。
「音楽は続く。いかなる状況下でも美を創り出す者たちの歌。廃墟から立ち上がる者たちの調べ。傷ついた心と世界を修復する者たちのハーモニー」——キュレーター・テキスト「イン・マイナー・キーズ」より。
なぜ今、このビエンナーレが重要なのか
ヴェネチア・ビエンナーレは1895年から続いている。その歴史の中で、時代や政治的断絶、芸術的革命を映し出してきた。「イン・マイナー・キーズ」は別のものに賭けている。静かで親密なものは、声高で記念碑的なものに劣らず重要であるという確信だ。情報と速度が過剰な現代において、この展覧会は速度を落とし、異なる周波数に波長を合わせることを提案している。
宣言的な言説から感覚的な知覚へと焦点を移すクオ氏のコンセプトは、鑑賞者の体験を決定づけるものとなった。キュレーター・テキストが強調するように、「音楽は続く。いかなる状況下でも美を創り出す者たちの歌。廃墟から立ち上がる者たちの調べ。傷ついた心と世界を修復する者たちのハーモニー」が奏でられている。ビエンナーレは解説することを望まず、むしろ滋養を与えることを求めている。これほど大規模なイベントにおいて、それは稀有で、誠実な野心と言えるだろう。
